В своей автобиографии, я уже писала о том, что знание человека не должно ограничиваться только его профессиональной сферой. Хотя, никому не навязываю свое мнение, это, прежде всего, личный выбор каждого. Но ведь, стремление к прекрасному, обогащает внутренней мир каждого, делает нашу жизнь интересней. Благодаря этому, жизненная программа состоит не только из целей, материального характера, но и появляется место для мечты.

В своем индивидуальном задании мне бы хотелось рассказать о своем увлечении изобразительным искусством, о том, как развивался мой интерес к этому и о некоторых интересных фактах. Здесь приводится небольшой рассказ о некоторых великих художниках, чьи работы произвели на меня очень большое впечатление. Я ни в коем случае не претендую на звание знатока данного вопроса. Я всего лишь интересующийся дилетант, желающий поделиться своим восхищением и мне очень хотелось просто вызвать интерес к этому удивительному, потрясающему воображение миру живописи.

Амедео Модильяни.
Дама в шляпе.
1917-1918 г.Париж.Частная коллекция

Мое собственное знакомство с миром прекрасного началось с книги В. Виленкина «Амедео Модильяни» (М.: Искусство, 1989). Это первая русскоязычная творческая биография художника Амедео Модильяни (1884-1920) с глянцевыми репродукциями, представленными очень полно. Не знаю, что меня так могло привлекать в 7 лет, но эти картины я могла рассматривать очень долго. Так часто бывает – невозможно объяснить, что именно влечет, но то, что ты видишь, не требует логики и понимания, достаточно взглянуть в эти печальные темные, лишенные зрачков, бесконечно глубокие глаза людей, изображенных на картинах.

Это одна из характерных особенностей живописи художника, присущая большинству его портретов. Это уже потом, в более зрелом возрасте я прочитала саму биографию и узнала о трагической судьбе художника и признании, пришедшем только после смерти; о том, что Модильяни, нельзя четко отнести к какому-то направлению или художественной школе. Он создавал свои картины в уникальном, неповторимом стиле. Что и есть, наверное, высшее проявление гениальности.

Густав Климт
Поцелуй
1907-1908, Вена, Австрийская Галерея,

Даже если Вы не знаете автора и название этой картины, я уверенна, что она окажется знакомой. Речь идет о «Поцелуе» Густава Климта (1862-1918). Иногда, мне кажется, что эту картину любят все и скоро она станет элементом массовой культуры. Где я только не встречала ее репродукции: в очень популярном комедийном сериале, в качестве элемента интерьера кафе; в журнале, посвященном архитектуре и дизайну, причем речь шла о квартире полностью оформленной в стиле hi-tech; ну и последнее - в качестве передней панели новой модели кондиционера. Как бы там ни было, к счастью в этом случае, качество не перейдет в количество.

Густав Климт - австрийский живописец и график, главный представитель венского модерна. Родился в предместье Вены в семье художника-гравера. Окончил венскую Школу декоративного искусства. Его ранние работы, состояли преимущественно из больших фресок для театров и были написаны в натуралистическом стиле. В росписях с изображением аллегорических фигур исполненных Климтом в 1890-1891 на сводах большой лестницы Музея истории искусств в Вене. Здесь впервые появляются черты, ставшие основными в его творчестве - четкий силуэт и склонность к орнаментализму. После 1898, работы Климта, приобретают более декоративный, символический аспект.

Лучшие работы Климта, к которым можно отнести и «Поцелуй», - его более поздние портреты, с их плоскими, незатененными поверхностями, прозрачными, мозаичными цветами и формами, и извилистыми, витиеватыми линиями и образцами.

Для Климта характерна символическая тематика, часто с отпечатком эротизма, рафинированный, эстетский и очень индивидуальный стиль, в котором доминировал вкус к орнаментализации. Творчество Климта знаменует собой апогей венского модерна. К концу жизни в 1917 году Климт завоевал полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий.

Мне кажется, во мне живет идея найти сокровища в каком-нибудь совершенно неожиданном месте. Образно говоря, конечно. Просто, иногда я люблю почитать старые журналы или газеты и очень часто нахожу что-нибудь интересное. Так, в газете «Совершенно секретно» я наткнулась на статью, посвященную дерзкому похищению картин из музея в Осло. Так я узнала об Эдварде Мунке и его картине «Крик», и о том, что можно нарисовать даже звук и, причем очень убедительно.

Эдвард Мунк
Крик, 1983 г.

Эдвард Мунк - норвежский живописец, график, театральный художник, один из основоположников экспрессионизма. Он родился в Летене, в южной Норвегии, 12 декабря 1863 года, вырос в Осло. Его отец, военный врач, был глубоко верующим человеком. Детство Мунка не было беззаботным. Когда ему было пять лет, его мать умерла от чахотки. От этой же болезни в возрасте пятнадцати лет умерла и его сестра. Поэтому темы, к которым Мунк постоянно возвращался на протяжении своего творческого пути, - болезнь, одиночество, страдание, смерть - были знакомы ему с раннего детства.

В статье была приведена маленькая черно-белая репродукция картины «Крик», но и ее хватило, что произвести на меня очень сильное впечатление. «Крик» - самая известная работа художника и она интересна всем: и историей создания, и сюжетом, и своей последующей судьбой. Считается, что Мунк предсказал своим полотном все ужасы грядущего 20-го века. Кроме того, сюжет достаточно неоднозначен – на первый взгляд, может показаться, что кричит сам человек, но с другой стороны – может он закрывает уши от пронзительного крика, пронизывающего душу?

Вот что говорил о создании этой картины сам автор: "Иду я как-то с двумя друзьями по берегу. Солнце садится... Красота. Вдруг смотрю: небо все в языках пламени! Я ... замер, пошевелиться не могу. Друзья мои уже ушли далеко вперед, а я все стою и прямо чувствую рвущийся крик!"

Изначально картина была представлена в форме черно-белой литографии, и только через некоторое время заново выполнена в цвете в 4-х экземплярах и считается, что один из них практически невозможно подделать. А все благодаря одному маленькому «изъяну» - видимо во время работы художник близко подошел к картине с зажженной свечой и на нее пролился воск, образовав неповторимые потеки.

Диего Веласкес
Менины, или семья Филиппа IV.
1656-1657. Прадо, Мадрид

Еще один художник, которого я очень люблю, и который произвел на меня огромное впечатление - Диего Веласкес (1599-1660), один из самых значительных мастеров мирового изобразительного искусства. Он прожил размеренную жизнь придворного художника испанского короля Филиппа IV и значительную часть его творческого наследия составили портреты членов королевской семьи, их родственников и придворных.

«Менины»- одна из самых известных и в то же время загадочных картин художника. На картине изображен сам Веласкес за работой в своей мастерской. В центре композиции – инфанта Маргарита и две фрейлины-менины. На дальней стене зеркало, в котором отражаются король и королева. Получается, что зритель смотрит на картину их глазами. Отсюда и неоднозначное толкование сюжета. Может художник пишет портрет инфанты, и работа прервана неожиданным появлением короля и королевы? Или Маргарита вместе с фрейлинами вошла в тот момент, когда королевская чета позировала художнику?

Интересна и роль других участников картины. Например, фрейлина склонилась к принцессе и подает воду. Известно, что поднесение питья инфанте было обусловлено строгим дворцовым этикетом. А в правом углу изображены карлики: немка Мария Барбола и мальчик Николосито Пертусато, играющий с огромной собакой. Здесь прослеживается как будто намеренной противопоставление двух детей из разных слоев общества: игривость и непосредственность мальчика и сдержанная аристократичность инфанты.

Еще одна интересная деталь – это единственный подлинный автопортрет Веласкеса.

Диего Веласкес
Венера перед зеркалом. 1649-1651
Национальная галерея, Лондон

«Венера перед зеркалом» - одно из самых выдающихся изображений обнаженного женского тела в истории мировой живописи. Удивительно то, что во время написания картины в Испании существовал жесткий контроль Церкви и инквизиции над произведениями искусства. Нагота в живописи допускалась только в изображении христианских мучеников и святых. Однако, видимо высокий статус придворного художника, позволил Веласкесу выйти за рамки принятых норм и создать свой шедевр. Это произведение – образ идеальной женской красоты и чувственности, подчеркнутый изысканным колоритом картины. Как и в «Менинах» интересный прием с зеркалом, в котором лишь с трудом угадываются черты лица богиня, что придает ей загадочную таинственность.

Ян Вермеер
Кружевница,1665 г.
Лувр, Париж

Ян Вермеер Дельфтский (1632–1675). Он родился в Голландии в городе Дельфте, и с этим городом связано все его творчество. Вермеер очень подолгу работал над каждым из своих творений, и, вероятно, поэтому его творческое наследие крайне невелико. Художник возвысил бытовую картину и любимым его сюжетом было изображение домашних женских забот. В его работах присутствует лаконизм и тщательный отбор деталей, а свет в картинах существует как самостоятельный и очень важный элемент живописи. Ярким примером тому является картина «Кружевница», показывающая единство человека и окружающей его среды. В этой работе присутствует классическая ясность, естественность и живая выразительность композиции, легкая вибрация света и воздуха, богатая игра оттенков и красочность бликов, одухотворяющая мир людей и предметов.

В 2003 году на экраны вышел фильм «Девушка с жемчужной серьгой», снятый по мотивам романа Трэйси Шевалье. Фильм рассказывает историю 16-летней девушки-голландки по имени Гриет, которая устроилась работать горничной в доме Вермеера. И, несмотря на свою застенчивость и простоту, девушка вскоре сблизилась с художником и стала моделью для его картин.

Ян Вермеер
Девушка с жемчужной серьгой,1665 г.
Маурицхейс, Гаага

«Девушка с жемчужной серьгой» - так называется одна из картин живописца, которая изображена Гриет. Фон картины локально черный и заставляет все внимание сосредоточить на модели и ее одежде, цвет которой выдержан в коричневой гамме с яркими пятнами лимонно-желтых и голубовато-синих тонов.

Фильм показывает жизнь художника, о время и условия в которых он работал и очень реалистично передает атмосферу средневековья. Глаз отдыхает, когда смотришь такие ленты, не перегруженные компьютерной графикой и спецэффектами, а точнее полностью лишенные их. Костюмы, декорации, превосходная операторская и актерская работа погружают в мир бесконечно далекий от современной цивилизации. Только проблемы человеческих взаимоотношений остались такими же, несмотря ни на что.

Странная судьба постигла художника после смерти. С течением времени он был забыт и на протяжении двух столетий его картины оставались практически неизвестными. Его новое открытие произошло только во второй половине 19-го века, и интерес к его творчеству с тех пор не ослабевает.

P.S. В своем индивидуальном задании я попыталась отобразить творчество очень разных художников, каждый из которых в свое время произвел на меня неизгладимое впечатление. Не пытаясь «объять необъятное», я стремилась изложить самые интересные факты, поделиться своими впечатлениями и может быть пробудить в ком-то желание узнать больше об этой теме. И еще, какая бы качественная ни была репродукция, она просто не в состоянии передать ни цветовую гамму, ни характер мазка, ни энергию, исходящую от картины. Поэтому, мне бы очень хотелось увидеть шедевры мировой живописи в оригинале.

Литературные источники

Виленкин В.Я. Амедео Модильяни – М.: Искусство, 1989. – 175 с. - (Жизнь в искусстве)
Замкова М.В. Лувр. – М.: ОЛМА-ПРЕСС Образование, 2005. – 128 с. - (Шедевры мировой живописи в вашем доме)
Елисеева Е.М. Великие испанские художники. – М.: ОЛМА-ПРЕСС Образование, 2005. – 144 с. – (Мастера европейской живописи).

Internet источники